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Par Richard Meyer

Le Dr Meyer est professeur d'histoire de l'art à l'Université de Stanford.

La Cour suprême s'est trompée.

Dans une récente décision de 7 contre 2, le tribunal a statué qu'Andy Warhol avait enfreint le droit d'auteur de Lynn Goldsmith lorsqu'en 1984, il avait utilisé sa photographie de la pop star Prince comme image source pour une série de portraits sérigraphiés. D'un point de vue juridique, la décision était relativement étroite: elle se concentrait sur le fait que la Fondation Warhol avait autorisé la reproduction de "Orange Prince" de Warhol dans un magazine, le même objectif que Goldsmith avait fixé pour la photographie originale. Elle était donc redevable d'une partie de ce droit de licence.

En tant qu'historienne de l'art et spécialiste de Warhol, on m'a demandé de rédiger un mémoire d'amicus pour le compte de la Fondation. J'ai soutenu que les portraits de Warhol transformaient la photographie de Goldsmith (en termes d'échelle, de composition, de médium, de couleur et d'effet visuel global) à un tel degré qu'ils qualifiaient de "fair use", une doctrine qui, au nom de la liberté d'expression, permet l'adaptation de matériel protégé par le droit d'auteur dans des conditions particulières.

Il y a beaucoup de choses sur Warhol et la question de l'originalité, cependant, que j'ai laissées de côté dans mon mémoire. Maintenant que l'affaire a été tranchée, je peux partager ce que je n'ai pas dit à la Cour suprême. Plus particulièrement, je n'ai pas dit que le fair use, bien que nécessaire en tant que doctrine juridique, ne fait rien pour nous aider à comprendre l'art de Warhol.

Tout au long de sa carrière, l'artiste s'est préoccupé non pas du droit d'auteur mais du droit de copier, qu'il considérait à la fois comme une méthode de création et un design pour vivre.

Dans une interview de 1963, Warhol a fait remarquer: "Je pense que quelqu'un devrait pouvoir faire toutes mes peintures pour moi." Bien qu'il n'externalise pas toutes ses peintures, il a souvent des amis et des assistants pour accomplir une partie du processus artistique, que ce soit l'impression, le recadrage, le titrage ou même la conception de son travail. "Je n'ai jamais été gêné", a-t-il commenté un jour, "de demander à quelqu'un, littéralement, 'Que dois-je peindre?' parce que la pop vient de l'extérieur », c'est-à-dire qu'elle est née d'idées et d'images extérieures plutôt que de la vision unique de l'artiste. "Et en quoi demander à quelqu'un des idées est-il différent de les chercher dans un magazine", a déclaré Warhol.

Sa dépendance à l'égard de sources extérieures s'étendait bien au-delà de son art. Lorsqu'il en avait assez d'être lui-même, Warhol demandait parfois à d'autres d'endosser le rôle. En 1967, il engagea l'acteur Allen Midgette pour jouer le rôle de Warhol lors d'une tournée nationale de conférences. Quand, après les premières conférences, la ruse a été exposée, Warhol a répondu: "Il était meilleur que moi." Du point de vue de l'artiste, Midgette n'était pas seulement meilleure pour faire des remarques et répondre aux questions d'un public. Il était meilleur pour être Warhol.

La copie qui dépasse l'original est un élément central de la sensibilité de Warhol. Il a répété et refait des photographies trouvées dans des peintures et des gravures vibrantes qui étaient elles-mêmes répétées avec divers degrés de différence visuelle. Lorsqu'il a émergé sur la scène des galeries dans les années 1950, la reproduction d'images populaires et de consommation dans les beaux-arts était considérée comme indiciblement vulgaire. En quelques années, cependant, tant le monde de l'art que la sphère commerciale ont reconnu la valeur de la pop.

Une anecdote que je raconte souvent à mes étudiants est pertinente ici : en 1967, la Campbell's Soup Company a envoyé une lettre à Random House, qui devait bientôt publier un livre sur Warhol qui comprenait plusieurs reproductions de ses célèbres peintures de boîtes de soupe. Selon la lettre, la société n'a vu aucun conflit de droits d'auteur entre le logo de Campbell et sa réutilisation par l'artiste. (En fait, ses peintures avaient été bonnes pour les affaires.) Une mise en garde importante, cependant, a été précisée : Warhol ne pouvait pas peindre des copies du logo sur de véritables boîtes de soupe, car cela le placerait en concurrence directe avec l'entreprise. Warhol était heureux d'obtempérer. Après tout, il faisait de l'art, pas de la soupe.

Les fans des apparitions publiques de Warhol ont commencé à lui apporter de véritables boîtes de soupe de Campbell pour qu'il les signe, car les objets étaient devenus si étroitement associés à Warhol qu'ils fonctionnaient comme des substituts prêts à l'emploi pour son travail. Le matériel source et les œuvres d'art avaient, pour ainsi dire, changé de place.

À la fin de sa carrière, Warhol s'est concentré sur les portraits sérigraphiés de célébrités, de mondains, de magnats de l'industrie et de toute autre personne qui a proposé les frais requis : 25 000 $ pour le portrait et 15 000 $ pour chaque panneau supplémentaire aux couleurs contrastées, généralement affiché à côté du premier. Être peint par l'artiste, c'était être transformé en « Warhol ». Une méthode artistique basée sur la répétition et l'appropriation devient, paradoxalement, sa signature.

Warhol prévoyait un avenir dans lequel les artistes ne partiraient pas de l'idée d'une tabula rasa mais d'une société débordante d'images et d'informations. Cet avenir est le moment dans lequel nous vivons maintenant, lorsque les artistes contemporains dessinent librement sur des photographies et des objets matériels préexistants, y compris, bien sûr, des rendus numériques. Nos propres doubles warholiens ne sont pas des acteurs se présentant comme de meilleures versions de nous – nous avons des profils sur Instagram et Twitter pour remplir cet objectif.

Des litiges concernant l'appropriation visuelle persistent, notamment des poursuites contre les artistes Barbara Kruger, Jeff Koons et Richard Prince, dont le dernier est actuellement impliqué dans deux affaires de violation de droits d'auteur concernant son utilisation non autorisée de photos Instagram. Ces différends n'ont guère inhibé la pratique de l'appropriation créative dont Warhol a été le pionnier. Au contraire, il n'est devenu plus répandu que depuis sa mort en 1987.

Étant donné le souhait de Warhol de dépasser les limites de l'expression de soi, on ne peut qu'imaginer le plaisir qu'il aurait pris à appliquer l'IA générative à l'art. Son désir célèbre exprimé - "Je veux être une machine" - n'a jamais été aussi proche de la réalisation qu'il ne l'est aujourd'hui. Les nouvelles technologies et logiciels tels que ChatGPT rendent de plus en plus difficile la distinction entre les produits de l'intelligence humaine et ceux de la simulation artificielle. Warhol aurait savouré un tel problème (d'une manière que les professeurs d'université qui notent les devoirs des étudiants ne le font pas).

Warhol était le plus original dans la façon dont il a démantelé l'idée d'originalité. Je n'ai pas inclus cette formulation dans mon mémoire de peur qu'elle soit trop abstruse. Il s'est avéré qu'il y avait quelqu'un de beaucoup plus central dans la procédure qui a très bien compris le point. Dans sa dissidence passionnée, la juge Elena Kagan écrit : « Warhol est une figure imposante de l'art moderne non pas malgré mais à cause de son utilisation de matériaux de source. sauf qu'elle est aussi devenue la nôtre, car son œuvre occupe aujourd'hui une place importante non seulement dans nos musées mais dans notre culture artistique au sens large."

Warhol n'arrache ni ne transcende ses sources. Il les conserve comme des images rémanentes scintillantes et reproductibles tout en modifiant radicalement leur apparence et leur effet pictural. C'est ce qui transforme "quelque chose qui n'est pas à lui en quelque chose qui lui est propre". Légèrement décalé de Warhol, les images brillantes de Day-Glo changent notre façon de voir la célébrité et la culture de consommation. Son travail, à son meilleur, nous transforme.

Au moment où la doctrine de l'utilisation équitable a été codifiée en 1976, Warhol était l'artiste vivant le plus célèbre au monde et avait réalisé ses sérigraphies les plus célèbres. S'il avait été au courant de l'utilisation équitable, l'artiste se serait probablement peu inquiété des répercussions juridiques. Son travail, comme tout bon art, n'a pas été créé pour se conformer à la loi.

Richard Meyer est professeur d'histoire de l'art à l'Université de Stanford et l'auteur, plus récemment, de « Master of the Two Left Feet : Morris Hirshfield Rediscovered ».

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