Keep Me In Your Heart: Les dernières chansons de 30 artistes légendaires

Les fins sont difficiles. Que vous vous attendiez à un fondu lent au noir ou que vous soyez surpris par une coupure abrupte, la finalité peut être difficile à accepter. Ce n'est pas différent dans le rock 'n' roll. Chaque chanson de la liste ci-dessous est une fin, car nous nous souvenons des dernières chansons de 30 artistes légendaires.

"C'est ça!" Janis Joplin a ri, et c'était le cas. "Je ne suis pas trop vieux pour mourir", a chanté Bon Scott, et il ne l'était pas. L'histoire du rock est jonchée de musiciens décédés jeunes et bon nombre des derniers enregistrements de cette liste ont précédé un décès, de "Belly Button Window" de Jimi Hendrix à "I'm Gonna Crawl" de Led Zeppelin. Certains artistes ont travaillé en studio au service d'un ami (Tom Petty, Lou Reed) tandis que d'autres étaient des collaborations (Lemmy Kilmister, Chris Cornell).

Bien sûr, certaines de ces chansons ne sont pas du tout le résultat de la mort d'une rock star. Quand des groupes se séparent – ​​des Beatles à Cream en passant par The Police – il doit y avoir un, dernier enregistrement. Et puis il y a des musiciens, comme Billy Joel, qui tentent de se retirer du studio, alors même qu'ils continuent à se produire.

Certains de ces derniers hurrahs se classent avec le matériel le plus connu de l'artiste (les Doors et Roxy Music sont sortis avec des classiques) et d'autres sont des reprises : The Band et Jerry Garcia ont dit au revoir avec des hommages. Certains actes ont livré des déclarations finales définitives sur leur groupe (Pink Floyd) ou même sur la vie elle-même (Warren Zevon), tandis que d'autres ont fourni un aperçu résonnant de leur dernière année de vie sur la planète (Freddie Mercury, Kurt Cobain).

Qu'elles soient chargées d'un sens profond ou précipitées sans aucune idée de la tragédie qui nous attend, voici les dernières chansons de 30 artistes légendaires.

"Fenêtre du nombril", Jimi Hendrix

Le dernier enregistrement en studio réalisé par Jimi Hendrix avant sa mort était une chanson sur la naissance. En fait, Hendrix a écrit l'air country blues sur les mois précédant la naissance, imaginant ce que ce serait pour un fœtus en pleine croissance d'observer ses parents du point de vue d'une "fenêtre de nombril".

La paternité imminente du coéquipier de Hendrix, Mitch Mitchell, aurait été le catalyseur de la composition. Mais Hendrix a semblé s'appuyer sur ses propres souvenirs d'enfance malheureux pour les paroles, qui suggèrent deux parents qui ne sont pas ravis de la grossesse : "Je jure que je ne vois rien d'autre que beaucoup de froncements de sourcils / Et je me demande s'ils veux-moi près de toi."

Hendrix a écrit les paroles avant la mélodie, et les mots ont d'abord été tentés avec l'air qui allait devenir "Midnight Lightning" en juillet 1970 dans les tout nouveaux studios Electric Lady d'Hendrix. Le 22 août, Hendrix a enregistré la version finale bluesy en tant que pièce solo, en overdubbant une wah-wah. Le même jour, il a passé du temps à réfléchir aux nouveaux enregistrements qui composeraient son prochain album - un qu'il ne vivrait pas pour voir sortir.

Quelques jours après la session, Hendrix, Mitchell et Billy Cox étaient partis jouer au festival de l'île de Wight en 1970 au Royaume-Uni, suivi d'autres dates de tournée européenne en septembre. Hendrix est parti moins d'un mois après avoir déposé "Belly Button Window", tué par asphyxie liée à la drogue à l'âge de 27 ans. Le dernier enregistrement de Hendrix est devenu plus tard le morceau de clôture de son premier album posthume, Cry of Love.

"Je vais ramper", Led Zeppelin

Selon la plupart des témoignages, les dernières sessions d'enregistrement de Led Zeppelin - pour l'album In Through the Out Door - étaient nettement moins qu'harmonieuses. Mais cela avait plus à voir avec le style de vie de rock star de certains membres qu'avec la musique.

Robert Plant et John Paul Jones, les membres (relativement) propres du groupe, ont ouvert la voie sur la majeure partie des morceaux du LP. Ils ont enregistré leurs contributions pendant la journée aux Polar Studios d'ABBA à Stockholm, en Suède. La nuit, Jimmy Page (en proie à la dépendance à l'héroïne) et John Bonham (de plus en plus dépendant de l'alcool, la substance qui a conduit à sa mort) se sont présentés pour enregistrer leurs rôles.

"I'm Gonna Crawl" était typique des sessions, car la chanson était en grande partie une composition de Jones, créée via son synthétiseur Yamaha GX-1 et inspirée de "It's Too Late" de Wilson Pickett. Non seulement la mélodie influencée par la soul était le dernier morceau de l'album, mais c'était aussi la dernière chanson de Led Zeppelin enregistrée en studio. Sous son titre de travail, "Every Little Bit of My Love" (ou "Blurt", "Blot" ou "I Could Crawl"), la chanson a été enregistrée le 23 novembre 1978. Seuls les overdubs fragmentaires et le mixage final sont restés après cela.

Lorsque In Through the Out Door est sorti en août 1979, on ne soupçonnait guère que ce serait le dernier album studio de Zeppelin. Le groupe n'a pas arrêté avant un an environ, après la mort d'un Bonham en état d'ébriété après avoir vomi pendant son sommeil le 25 septembre 1980. Suite à sa mort accidentelle à 32 ans, les membres restants ont publié une déclaration: "Nous le souhaitons savoir que la perte de notre cher ami et le profond sentiment d'harmonie sans partage ressenti par nous-mêmes et notre manager nous ont amenés à décider que nous ne pouvions pas continuer comme nous étions."

Bien que Coda de 1982 ait introduit du "nouveau" matériel sous la forme de morceaux restants, "I'm Gonna Crawl" est resté la dernière chanson que les quatre membres de Led Zeppelin aient jamais créée dans un studio d'enregistrement.

"Parce que", les Beatles

Mettre le doigt sur la dernière chanson enregistrée des Fab Four n'est pas une tâche simple. Il y a plus d'une bonne réponse, selon votre point de vue.

On pourrait dire que "Real Love" était la dernière chanson que les Beatles ont faite en studio, lorsque Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr ont ajouté une nouvelle musique à une vieille cassette de John Lennon pour le projet Anthology en février 1995. Mais John avait déjà fait son rôle avant sa mort en 1980.

Ou vous pourriez justifier que "I Me Mine" était le dernier morceau que les Beatles ont fait en studio, puisqu'il a été enregistré pour Let it Be le 3 janvier 1970. Mais Lennon ne faisait pas non plus partie de cette session, étant parti tranquillement les Beatles quelques mois plus tôt. (Les harmonies en trois parties de la chanson ont été fournies par Harrison, McCartney et Starr.)

Vous pourrez peut-être affirmer que "I Want You (She's So Heavy)" était la dernière création du studio des Beatles, car la chanson a été finalisée le 20 août 1969, la dernière fois que les quatre Beatles étaient ensemble en studio. Mais ils n'ont pas réellement enregistré l'épopée d'Abbey Road ce jour-là, mais ont simplement supervisé le montage du morceau – assemblant deux versions différentes des sessions précédentes et terminant la chanson avec une coupure abrupte à la demande de Lennon.

Ainsi, le meilleur candidat pour "dernière chanson des Beatles" est "Because". Bien que d'autres morceaux d'Abbey Road (et Let it Be) aient ensuite reçu des overdubs et des montages (mais jamais des quatre Beatles travaillant ensemble), "Because" était la dernière chanson que les Beatles ont enregistrée en tant que quatuor. Ils ont créé la grande majorité du morceau – y compris la guitare, le clavecin, la basse et le chant – aux studios Abbey Road le 1er août 1969.

"Après avoir fait la piste d'accompagnement, John, Paul et George ont chanté l'harmonie", se souvient le producteur George Martin dans The Complete Beatles Recording Sessions. "Ensuite, nous l'avons superposé deux fois de plus, créant une harmonie en neuf parties, trois voix enregistrées trois fois. Je leur disais littéralement quelles notes chanter."

Maintenant, les fans inconditionnels des Beatles remarqueront peut-être que Ringo ne peut pas être entendu sur la chanson sans percussion de Lennon, qui présente les trois autres membres chantant et jouant, avec Martin au clavecin. Cependant, pour garder la guitare de Lennon et le clavecin de Martin en phase, le batteur régulier des Beatles a joué une cymbale haut de forme dans leurs écouteurs pendant qu'ils enregistraient. Son jeu de métronome n'était pas destiné à apparaître sur la version finale du morceau.

Ainsi, même si vous ne pouvez pas entendre Starr parmi les voix obsédantes et l'instrumentation austère, il a quand même apporté une contribution significative à "Because", ce qui en fait la dernière chanson que les quatre Beatles ont enregistrée en studio.

"Marcher sur de la glace mince", John Lennon

Le dernier travail enregistré de Lennon n'était pas sur l'un de ses propres morceaux. Ses dernières sessions ont été consacrées à travailler en collaboration avec sa femme Yoko Ono sur son single new-wavey, "Walking on Thin Ice".

Double Fantasy venait de devenir un grand succès collaboratif pour Ono et Lennon, qui étaient en congé sabbatique de la musique pop depuis le milieu des années 70, et ils étaient déterminés à compléter les morceaux restants pour de nouveaux singles et un autre LP. Elation a rempli la Hit Factory de New York alors qu'ils se réunissaient pour travailler avec le producteur Jack Douglas. Lennon a même sorti son vieux Rickenbacker 325 de 1958 (l'instrument noir et blanc qu'il avait si souvent vu tenir à l'apogée de la Beatlemania) pour ajouter des parties de guitare à l'air dance-pop – et aussi quelques claviers – le 4 décembre. .

Quatre jours plus tard, Lennon, Ono et Douglas ont ajouté les dernières touches à "Walking on Thin Ice", puis ont réécouté ce qu'ils avaient fait. Selon Douglas, tous les trois pensaient qu'ils venaient de finir d'être le premier grand succès pop d'Ono.

"Nous étions vraiment en train de célébrer, tous les trois", a déclaré Douglas plus tard à Rolling Stone. "Nous fêtions l'article de Soho News sur Yoko [une interview titrée avec esprit "Yoko Only"], et la nouvelle chanson, et la presse que Yoko avait reçue : nous en étions vraiment heureux. Tout allait bien à ce moment-là. Lundi soir, il semblait que tout était en marche et tout simplement parfait."

Malheureusement, la nuit a pris une tournure horrible lorsque Lennon et Ono sont rentrés chez eux dans leur résidence new-yorkaise et que l'ancien Beatle a été abattu par Mark David Chapman. John tenait le mixage final de "Walking on Thin Ice" quand il a été tué par balle. Il avait 40 ans.

La chanson, qui a trouvé Ono ruminant sur l'imprévisibilité de la vie, est sortie environ un mois plus tard, le 6 janvier 1981. "Walking on Thin Ice" portait un simple hommage sous le titre de la chanson sur la pochette du single : "For John ."

"Cheval à l'eau", George Harrison

George Harrison a succombé à une bataille contre le cancer le 29 novembre 2001 à l'âge de 58 ans, mais pas avant d'avoir terminé un dernier enregistrement environ deux mois avant sa mort.

Il s'est rendu en Suisse pour enregistrer une chanson qu'il avait écrite avec son fils Dhani Harrison intitulée "Horse to the Water", soutenu par Jools Holland et son Rhythm & Blues Orchestra. Harrison n'était pas le meilleur ami de Holland, pianiste, présentateur de télévision et ancien membre de Squeeze. En fait, ils avaient été liés par des amis communs. L'un des plus vieux copains de Harrison était le musicien britannique Joe Brown, dont la fille Sam Brown avait récemment chanté avec le Holland's R&B Orchestra.

Lorsque Holland planifiait le projet all-star Small World, Big Band (avec également Steve Winwood, David Gilmour et Sting, entre autres), le mot a fait son chemin vers Harrison, qui a décidé qu'il avait la chanson parfaite pour l'album - un numéro bluesy sur la futilité d'amener les humains à changer. Lorsque le morceau de klaxon a été enregistré le 2 octobre 2001, le cancer avait affaibli George au point qu'il ne pouvait plus jouer de la guitare sur l'air. Mais il a pu déposer une voix forte, quoique fatiguée, sur la chanson qu'il avait écrite avec son fils.

"Horse to Water" est sorti en décembre 2001, quelques jours seulement après la mort de Harrison. Dans un peu d'humour noir sournois, George a répertorié l'éditeur de la chanson comme "RIP Limited, 2001" au lieu de ses "Harrisongs" habituels.

Un grand hommage est venu l'année suivante, lorsque le Holland's Rhythm & Blues Orchestra est apparu au Concert for George à l'occasion du premier anniversaire du décès de Harrison. Ils ont joué la dernière chanson enregistrée de Harrison, avec Dhani Harrison à la guitare acoustique de Dhani Harrison et Sam Brown au chant principal, rendant hommage à un homme qui était à la fois une légende de la musique et l'ami décédé de son père.

« Insigne », crème

Eric Clapton, un autre ami de Harrison, a été le chef d'orchestre du Concert for George. Leur amitié et leurs collaborations musicales occasionnelles remontent à une époque où Harrison était un Beatle et Clapton faisait partie du puissant trio Cream.

En 1968, les deux bandes s'effilochaient sur les bords. En fait, pour aider à apaiser la tension pendant les sessions du "White Album" des Beatles, Harrison a fait venir Clapton en tant qu'invité, sachant que les autres seraient sur leur meilleur comportement avec un étranger présent. (Il a également obtenu un solo de guitare tueur sur "While My Guitar Gently Weeps".)

Les Beatles ont passé une autre année d'enregistrement et quelques albums de plus, mais Jack Bruce, Ginger Baker et Clapton ont décidé que 68 verrait la dernière tournée de Cream et les derniers enregistrements en studio. En guise d'adieu, le groupe a sorti un dernier LP (intitulé Goodbye, juste pour s'assurer qu'il n'y avait pas de confusion sur la situation) avec du matériel live et un nouvel enregistrement en studio écrit par chaque membre. Pour sa contribution, Clapton a obtenu une aide majeure de son ami.

"J'ai aidé Eric à écrire 'Badge', vous savez", a déclaré Harrison plus tard. "Nous travaillions l'un en face de l'autre et j'écrivais les paroles et nous sommes arrivés au milieu alors j'ai écrit 'Bridge'. Eric l'a lu à l'envers et a éclaté de rire - 'Qu'est-ce que BADGE?' dit-il. Après cela, Ringo est entré ivre et nous a donné cette ligne sur les cygnes vivant dans le parc.

Starr n'a pas reçu de crédit officiel pour son aide avec Cream's, ahem, swan song, et Harrison non plus sur les premiers exemplaires de Goodbye et du single "Badge" - une erreur qui a ensuite été corrigée. Le dernier album de Cream a répertorié Harrison sous le pseudonyme "L'Angelo Misterioso" pour des raisons contractuelles.

Harrison a rejoint Bruce, Baker et Clapton dans les studios Wally Heider de Los Angeles pour créer la piste de base de "Badge". Les sessions, tenues pendant les dates de la tournée américaine de Cream à l'automne 1968, ont été supervisées par le producteur Felix Pappalardi, qui a également joué des claviers sur l'air. Environ un mois plus tard, "Badge" était terminé avec l'ajout d'overdubs à Londres. La chanson scintillante et absurde est devenue la dernière chanson de Cream en Amérique du Nord, en Europe et en Australie. Pas une mauvaise façon de sortir.

"Noël à Fallujah", Billy Joel

Après River of Dreams en 1993, Billy Joel a arrêté de faire de nouveaux albums. Il n'avait pas fini de jouer ou de tourner, mais en termes de création de nouvelle musique (et du cycle sans fin d'enregistrement, de sortie et de promotion), le Joel était pratiquement terminé.

À peu près, mais pas complètement. Depuis 1993, chaque fois que Joel a plongé son orteil dans les eaux de nouveaux airs, c'est un événement pour ses fans. En 2001, il a sorti une collection de compositions classiques originales, bien qu'il n'ait ni joué ni produit l'enregistrement. En 2006, Joel a enregistré "All My Life" en hommage à sa femme de l'époque, Katie Lee, et Columbia Records n'était que trop ravi de sortir la première chanson pop de Joel en plus d'une décennie à temps pour la Saint-Valentin 2007.

Mais plus tard la même année, Joel a cherché à enregistrer une nouvelle chanson, cette fois avec l'intention de la diffuser au public. Consterné par le temps que les forces armées américaines avaient passé en Irak et troublé par le "sentiment d'aliénation" qu'il ressentait dans les lettres de soldats stationnés au Moyen-Orient, l'un des auteurs-compositeurs les plus célèbres de la musique pop a été poussé à l'action. Il a écrit "Noël à Fallujah" en septembre 2007.

"J'étais chez moi à Long Island et j'ai su dès que je l'ai écrit que je n'étais pas la personne pour le chanter", a déclaré Joel à Rolling Stone. "Ce n'est pas que j'essaie de m'éloigner de ce que j'ai écrit, mais je ne pensais pas que ma voix était la bonne voix. Je pensais que ce devrait être quelqu'un d'environ l'âge des gens qui servaient là-bas."

Joel a enrôlé Cass Dillon, un jeune artiste, pour chanter sur l'enregistrement de broyage, produit à l'automne 2007 et sorti en tant que single numérique le 4 décembre. Le produit a été reversé à Homes for Our Troops, un organisme de bienfaisance qui construit des maisons pour anciens combattants blessés dans les guerres américaines du 21e siècle. Environ un an plus tard, Joel a grondé ses propres paroles pour une version live de "Christmas in Fallujah", enregistrée en Australie et publiée en tant que single séparé dédié aux troupes australiennes et américaines servant à l'étranger. Alors que certains fans étaient fous de joie à la perspective du nouveau matériel de Joel, d'autres ont été surpris qu'un artiste qui avait gardé son travail apolitique pesait sur les événements actuels.

"Les gens peuvent le prendre comme ils veulent", a déclaré Joel à l'époque. "Je ne monte pas sur une tribune et fais des messages politiques. Je crois qu'il faut parler de l'être humain et des conditions dans lesquelles les humains se trouvent. ... Je crois que si un artiste ressent fortement quelque chose, cela devrait se refléter dans leur art." À ce jour, Joel ne s'est pas encore senti assez fort pour enregistrer et sortir de nouvelles chansons, faisant de cette collaboration son dernier travail en studio connu - pour l'instant.

« Riders on the Storm », les Doors (avec Jim Morrison)

Après la mort de Jim Morrison le 3 juillet 1971, les Doors ont sorti trois autres albums studio - deux sans leur leader maussade (Other Voices et Full Circle) et un qui employait de la poésie, des extraits parlés et des performances live que Morrison avait enregistrées avant sa mort (An American Prière). Mais pour la plupart des gens (même Ray Manzarek, qui a mis beaucoup d'énergie à ressusciter en quelque sorte son ancien groupe dans les années 90 et 2000), les Doors se sont terminés une fois Morrison parti.

De ce point de vue, "Riders on the Storm" est le dernier enregistrement studio du groupe. Réalisé en décembre 1970, il présente la dernière œuvre que Manzarek, Robby Krieger et John Densmore ont réalisée pour le LA Woman LP et la dernière voix de Morrison avec les Doors.

"Robby et Jim jouaient, bloquant quelque chose de" Ghost Riders in the Sky "", a déclaré Manzarek à Uncut en 2011. "J'ai proposé la ligne de basse et la partie de piano; le style jazzy était mon idée. Jim avait déjà l'histoire d'un auto-stoppeur tueur sur la route."

La mystérieuse épopée des Doors ne concernait pas seulement un tueur en folie (bien que Morrison ait mentionné le meurtrier en auto-stop Billy Cook dans une interview), mais traitait également d'amour et de loyauté. Morrison s'est vautré dans l'obscurité pour livrer sa voix, mais ses camarades de groupe ont affirmé qu'il était plus concentré qu'il ne l'avait été depuis des années pour les sessions de cinq jours de LA Woman, qui ont eu lieu à la fin d'une année difficile qui comprenait sa tristement célèbre arrestation pour exposition indécente. . Le coproducteur Bruce Botnick se souvient que c'est Morrison qui a exprimé le désir de rendre "Riders on the Storm" encore plus cinématographique.

"Nous avons tous pensé à l'idée des effets sonores et Jim est celui qui l'a d'abord dit à haute voix :" Ce ne serait pas cool d'ajouter de la pluie et du tonnerre ?", a déclaré Botnick en 2011. "J'ai utilisé le son d'Elektra. enregistrements d'effets et, pendant que nous mixions, j'ai juste appuyé sur le bouton. Serendipity a fonctionné pour que tout le tonnerre arrive aux bons endroits. Cela vous a emmené quelque part. C'était comme un mini film dans nos têtes.

Ensuite, Densmore a eu l'idée que Morrison enregistre une deuxième voix chuchotée en plus de celle chantée traditionnellement. C'était à la fois une façon différente d'ajouter de l'écho à la voix de Morrison et un autre ajout effrayant à l'enregistrement. Cette version chuchotée des paroles a été la dernière chose qu'il a faite avec les Doors.

"Comment est-ce prophétique? Un murmure qui s'estompe dans l'éternité, où il est maintenant", a ruminé plus tard Manzarek. "En le regardant de l'extérieur, vous pouvez y mettre un joli petit arc et le voir comme notre dernière performance, mais pour nous, nous ne faisions que nous amuser. Rapide, dur et rock, mais cool et sombre aussi."

" Riders on the Storm " était également le dernier single des Doors à sortir du vivant de Morrison. C'est devenu un hit du Billboard la même semaine en 1971 où il a été retrouvé mort dans un appartement parisien à 27 ans.

"Blue Yodel #9," Jerry Garcia

En 1995, une vie de problèmes de santé et de toxicomanie avait fait des ravages sur Garcia. La légende de Grateful Dead n'était plus aussi confiante dans ses capacités de jeu ni aussi désireuse de jouer – bien que Garcia ait toujours accepté de participer à un album hommage à Jimmie Rodgers organisé par son ami Bob Dylan.

Comme Dylan, Garcia comptait le "Singing Brakeman" parmi ses influences et avait repris "Blue Yodel #9 (Standing on the Corner)" dans les années 80 avec le Jerry Garcia Band. Ainsi, lorsque Dylan est venu appeler, Garcia savait exactement quelle chanson il contribuerait à la collection. Il ne savait tout simplement pas que ce serait son dernier enregistrement en studio.

Garcia n'a pas enregistré le classique de Rodgers avec les Dead, mais d'autres amis musiciens de longue date, dont le mandoliniste David Grisman et le bassiste John Kahn. "C'était un truc de dernière minute", a déclaré Grisman au San Francisco Chronicle en 1997.

Fin juillet 1995, Garcia a appelé Grisman, se demandant s'il pouvait organiser un enregistrement dans le home studio du joueur de mandoline. Garcia voulait faire la séance le lendemain, mais Grisman avait d'autres engagements qui ont fait reculer la séance. Ils se sont finalement réunis le dimanche suivant, la veille du jour où Garcia s'est enregistré à la clinique Betty Ford dans l'une des nombreuses tentatives pour se nettoyer.

Personne réuni au studio de Grisman, y compris le batteur George Marsh et la joueuse de dobro Sally Van Meter, n'avait la moindre idée à l'avance qu'ils enregistreraient l'air de Rodgers. Heureusement, Grisman possédait une copie de "Blue Yodel #9" et a pu transcrire les paroles pour son copain. "C'est comme ça que nous faisions habituellement les choses, en fait", a admis Grisman.

Le quintette a fait cinq interprétations bluegrassy de la chanson, a estimé qu'il avait bien compris et s'est séparé. Garcia est parti en cure de désintoxication le lendemain matin, bien qu'il n'ait pas mentionné ce plan à ses collaborateurs. Il est décédé d'une crise cardiaque en quelques semaines, subie le 9 août 1995 alors qu'il se trouvait dans une autre clinique de réadaptation. Garcia venait d'avoir 53 ans.

Grisman était maintenant en possession de cet enregistrement final, et il a fait de son mieux pour respecter l'histoire et terminer le morceau (en ajoutant un prélude avec Kahn et des cuivres superposés) avant de le remettre aux gens de Dylan pour Songs of Jimmie Rodgers: A Tribute. L'album, avec le dernier travail en studio de Garcia, est sorti en août 1997.

La couverture de "Blue Yodel # 9" présentait également certains des derniers travaux en studio de Kahn, décédé en 1996 d'une crise cardiaque. En repensant à la session d'enregistrement du dimanche matin quelques années plus tard, Grisman a peut-être senti que la fin était proche: "Aucun d'entre eux n'avait l'air vraiment bien ce jour-là."

"Tu sais que tu as raison", Nirvana

Les membres de Nirvana ne s'attendaient pas à tirer grand-chose des sessions qui ont abouti à la dernière chanson enregistrée du groupe. Ils n'ont pas réservé beaucoup de temps en studio. Ils n'avaient pas l'intention de faire un nouvel album. Ce n'était qu'un week-end de sessions à Seattle entre les étapes de leur tournée 1993-94.

"Cette session était une sorte de survol", se souvient Dave Grohl en 2004. "Je me souviens d'avoir été en tournée et Kurt [Cobain] parlait de vouloir aller en studio et enregistrer des trucs."

Grohl, Cobain et Krist Novoselic pensaient à l'origine qu'ils pourraient atterrir au Studio X de Seattle avant que Grohl ne suggère de visiter un studio situé à quelques rues de chez lui. Robert Lang Studios dans le nord de Seattle s'est avéré être cette immense installation souterraine qui avait des plafonds de 24 pieds de haut creusés dans une colline. Le groupe a réservé "Bob's Bunker", comme Novoselic a surnommé l'endroit, du 28 au 30 janvier 1994.

Cobain était absent pendant les deux premiers jours, alors Grohl et Novoselic ont gaffé sur des trucs instrumentaux et ont joué une partie de leur propre matériel – y compris des interprétations des futurs morceaux de Foo Fighters "Big Me" et "February Stars". Cobain est finalement apparu le 30. Après avoir écouté certains des résultats des jours précédents et donné son approbation au son du studio, il s'est mis au travail avec ses camarades de groupe.

"Kurt est arrivé le dernier jour et on s'est dit : 'OK, qu'est-ce que tu veux faire ?'", a déclaré Grohl à Studio Brussel en 2014. "Et Kurt a dit : 'Eh bien, pourquoi ne pas faire cette chanson que nous avons fait au soundcheck?' Et donc nous l'avons répété, je pense, une fois, puis nous l'avons enregistré."

La chanson sans titre a reçu le surnom de studio "Kurt's Tune # 1" à l'époque. C'était quelque chose qui s'était réuni au cours de la tournée d'automne pour promouvoir In Utero. La chanson abrasive et dynamique n'avait fait qu'une seule apparition dans un set officiel, lors d'un concert en octobre à Chicago. "Nous l'avons bombardé ensemble rapidement", se souvient Novoselic dans Heavier than Heaven. "Kurt avait le riff, et l'a apporté, et nous l'avons posé. Nous l'avons nirvanaisé."

L'enregistrement s'est déroulé rapidement, même s'il ne s'agissait pas d'une merveille en une seule prise, comme certains l'ont suggéré plus tard. À la recherche d'une introduction intéressante à la chanson après quelques prises, Cobain a proposé le son de carillon distinctif qui ouvre et ferme l'enregistrement final en pinçant les cordes tendues au-dessus de l'écrou (ou sous le chevalet) sur sa guitare Univox. Plus tard dans la journée, Cobain a enregistré les paroles de la chanson qui deviendrait connue sous le nom de "You Know You're Right".

A part une jam session, c'était tout. Nirvana a fait ses valises, Novoselic a pris possession des bandes du week-end et le groupe s'est rendu en Europe cette semaine-là pour une série de concerts qui se sont avérés être les derniers de Nirvana. Cobain a été retrouvé mort le 8 avril 1994. Il avait 27 ans.

"You Know You're Right" a pris la poussière chez Novoselic pendant quelques années avant que lui et Grohl aient l'idée de sortir le dernier enregistrement studio de Nirvana dans le cadre d'un coffret. Cependant, ils ont d'abord été bloqués par la veuve de Cobain, Courtney Love. Avec le temps, ils ont finalement accepté de sortir la chanson en tant que premier single d'un album des plus grands succès de Nirvana, simplement intitulé Nirvana et sorti en octobre 2002. Près de neuf ans après son enregistrement, "You Know You're Right" a présenté le groupe pertinence durable, car le single est devenu un succès radio, graphique et vidéo et a aidé la compilation à devenir multi-platine dans le monde entier.

"Sur le chemin du retour", Buffalo Springfield

Au moment où Buffalo Springfield a sorti son troisième album, Last Time Around, le 30 juillet 1968, le groupe n'était même plus un groupe. Ils existaient en sursis depuis au moins l'année précédente, principalement en raison de problèmes avec Neil Young et Bruce Palmer. Le premier avait un engagement ténu à jouer et à enregistrer avec le groupe (il a été remplacé par David Crosby pour une performance au Monterey International Pop Festival) tandis que le second avait le don de se faire arrêter pour possession de drogue.

Alors que ses arrestations s'accumulaient, Palmer a été expulsé vers son Canada natal en 1967 et temporairement remplacé à Buffalo Springfield - jusqu'à ce qu'il redescende en Californie plus tard dans l'année. Young est revenu dans le groupe avec le retour de Palmer. Même si le groupe n'était pas destiné à tenir longtemps, ils ont continué à jouer et à enregistrer.

Le dernier enregistrement mettant en vedette les cinq membres originaux (Young, Palmer, Stephen Stills, Richie Furay et Dewey Martin) était "On the Way Home", à tempo moyen, influencé par le R&B, un morceau écrit par Young et enregistré par Buffalo Springfield entre le milieu -Novembre et mi-décembre 1967 aux studios Sunset Sound à Los Angeles.

Peu de temps après, Palmer a eu une autre arrestation pour drogue et a de nouveau été expulsé des États-Unis. Cette fois, il est définitivement remplacé à la basse par Jim Messina, qui produit également le prochain LP de Buffalo Springfield. Pourtant, c'était comme utiliser la colle d'Elmer pour empêcher la dérive des continents. Young a de nouveau perdu tout intérêt et Last Time Around a été principalement concocté par Furay et Messina à partir de diverses sessions couvrant 1967-68. Aucun membre du groupe n'apparaît sur les 12 pistes de l'album, avec Young sur seulement la moitié, Martin sur moins que cela et Palmer ne jouant que sur une. Après un concert en mai 1968 à la Long Beach Arena, Buffalo Springfield était terminé.

"On the Way Home" est devenu le dernier single du groupe - un succès modeste à l'été 68, bien que rien de proche de "For What It's Worth" - et Buffalo Springfield s'est scindé en projets qui auraient eu un succès durable. Furay et Messina ont formé le pays. -le groupe de rock Poco, Stills est devenu membre de Crosby, Stills and Nash (y compris parfois Young) et Young a commencé sa carrière solo.

"Mercedes Benz", Janis Joplin

"C'est ça!" Janis Joplin a annoncé, suivi d'un caquètement, à la fin de "Mercedes Benz". Ce seraient les derniers instants enregistrés par l'une des chanteuses les plus appréciées de la musique, sur une chanson qui affichait avec tant de nonchalance son sens de l'humour contagieux et son talent remarquable.

Joplin a inventé l'air idiot quelques mois avant de l'enregistrer en août 1970, entre des spectacles à Port Chester, New York. Au cours d'une beuverie avec son copain musicien Bob Neuwirth et les acteurs Rip Torn et Geraldine Page, Janis a continué à chanter la première ligne d'une chanson du poète Michael McClure : "Allez, Dieu, et achète-moi une Mercedes-Benz." Plus de tournées de boissons l'ont aidée à extrapoler le couplet solitaire dans une composition plus longue, Joplin demandant avec humour à son créateur une télévision couleur et "une nuit en ville". Neuwirth a aidé et a écrit les paroles sur une serviette de bar.

"Nous étions tous assis à frapper des chopes de bière sur la table et à chanter ce qui existait de la chanson, qui était les deux premières lignes – et nous l'avons terminée dans ce bar", a rappelé Neuwirth à Yahoo! Musique en 2013. Peu de temps après, Joplin a appris qu'elle devait être sur scène pour sa deuxième représentation, au cours de laquelle elle "a commencé à chanter cette chanson - par elle-même, a cappella".

Janis a interprété "Mercedes Benz" à quelques reprises en tournée avant de se rendre aux studios Sunset Sound de Los Angeles en septembre pour enregistrer son prochain album, qui deviendra la sortie posthume, Pearl. La chanteuse n'avait pas nécessairement l'intention d'enregistrer sa gaffe anti-consumériste d'une minute et demie, mais lorsque l'équipement multipiste plus compliqué est tombé en panne le 1er octobre, elle a occupé le temps en enregistrant "Mercedes Benz." Elle l'a chanté seule et a cappella – comme en concert – sur l'enregistreur deux pistes de secours du studio.

"C'est juste la puissance pure de son charisme qui le rend remarquable", a déclaré Neuwirth. "Le petit rire à la fin, c'est tellement Janis – et c'était plus révélateur de la femme que tout ce qui a été écrit à son sujet. Je veux dire, c'était une fille drôle."

Malheureusement, ce rire serait la dernière œuvre enregistrée jamais entendue de Joplin. Trois jours plus tard, le 4 octobre 1970, elle a été retrouvée morte d'une overdose d'héroïne à l'âge de 27 ans. Avec les sessions pour Pearl incomplètes, "Mercedes Benz" a été mis en service sur la liste des chansons du LP, simplement parce qu'il n'y avait pas t d'autres options. L'air a cappella est sorti sur l'album en janvier 1971 et en tant que face B du single "Cry Baby" la même année - et il a finalement dépassé la face a pour devenir l'une des chansons les plus connues de Joplin. "C'est ça!"

"Mother Love", Freddie Mercury (avec Queen)

La santé de Freddie Mercury s'est gravement détériorée après la fin des travaux sur Innuendo, sorti en février 1991. Souffrant des effets du sida, le leader autrefois dynamique devenait de plus en plus fatigué et faible. Mercury savait qu'il ne vivrait pas assez longtemps pour terminer le prochain album du groupe, mais il pouvait aider ses camarades à commencer.

"Nous avions eu des discussions et nous savions que nous étions totalement en sursis car on avait dit à Freddie qu'il n'irait pas jusque-là", a déclaré Brian May dans le documentaire Queen : Champions of the World. "Je pense que notre plan était d'y aller chaque fois que Freddie se sentait assez bien, juste pour l'utiliser autant que possible; nous avons essentiellement vécu dans le studio pendant un certain temps et quand il appelait et disait:" Je peux venir pendant quelques heures", notre plan était de l'utiliser autant que possible. Vous savez, il nous a dit : "Faites-moi chanter n'importe quoi, écrivez-moi n'importe quoi et je le chanterai et je vous laisserai autant que je peux.'"

L'une de ces choses était "Mother Love", la dernière chanson co-écrite par Mercury et May et la dernière voix que la chanteuse ait jamais enregistrée. Les paroles donnent une idée de la douleur et de la tristesse que Freddie ressentait (et dont May était témoin) au cours de la dernière année de vie du chanteur. Il pleure sur "le confort et les soins", demande de l'amour et plaide, "J'aspire à la paix avant de mourir."

Mercury a enregistré ces mots à la mi-mai 1991 à la base d'enregistrement de Queen's Mountain Studios à Montreux, en Suisse. Mais il a laissé la chanson inachevée parce qu'il ne pouvait tout simplement pas pousser son corps plus loin. Mercure n'était qu'à six mois de mourir.

"Après avoir terminé le deuxième couplet, il a dit:" Oh, je ne me sens pas très bien. Je vais rentrer chez moi et nous le finirons demain "- et il ne l'a jamais fait", a déclaré May dans Days of Nos vies. "C'était la dernière fois que j'ai vu Freddie en studio."

Mercury est décédé le 24 novembre 1991 à l'âge de 45 ans. Environ deux ans plus tard, les membres restants de Queen - May, John Deacon et Roger Taylor - se sont regroupés pour terminer ces derniers enregistrements, ainsi que du matériel des sessions précédentes. May a chanté le dernier couplet de " Mother Love " en l'absence de Mercure. Cela a été suivi par le son d'un chant du célèbre spectacle de Queen en 1986 au stade de Wembley, des extraits hyper rapides de chacune des chansons du groupe et un échantillon de 1972 de Freddie chantant, "Je pense que je reviens aux choses que j'ai apprises si bien dans ma jeunesse." Le cri d'un bébé a bouclé le cercle de la vie que les membres de Queen entendaient transmettre en hommage à leur ami décédé.

"Mother Love" est sorti sur Made in Heaven, le 15e et dernier album studio de Queen, en novembre 1995, un peu moins de quatre ans après la mort de Mercury.

"Jacksonville Kid", Ronnie Van Zant (avec Lynyrd Skynyrd)

Le leader de Lynyrd Skynyrd, Ronnie Van Zant, a grandi avec la musique country à la radio. En vieillissant, il s'est de plus en plus tourné vers les stars de la country qui se sont qualifiées de hors-la-loi, des artistes tels que Waylon Jennings et, surtout, Merle Haggard. Ce dernier est resté le musicien incontournable de Van Zant dans le bus de tournée, bien après le succès de Skynyrd au milieu des années 70.

"Le mec préféré de Ronnie était Merle Haggard, et il écoutait ça tous les jours", a déclaré le guitariste de Skynyrd Gary Rossington à CMT en 2009. "J'ai adoré. Billy [Powell, claviériste] se battait avec lui. Il aimait Yes et Emerson, Lake & Palmer – et des trucs de clavier. Mais nous avons écouté les bons vieux trucs.

Ainsi, la première couverture de Haggard enregistrée en studio par Lynyrd Skynyrd tardait à venir. Lorsque Van Zant et ses camarades ont sélectionné "Honky Tonk Night Time Man" pour les sessions Street Survivors en 1977, ce n'était pas une décision inattendue pour un groupe qui mélangeait le twang et la narration de la musique country avec l'assaut sonore du rock 'n' roll. .

Bien que la version du groupe de la chanson de Haggard de 1974 soit apparue sur le dernier album de la série originale de Lynyrd Skynyrd), Van Zant a également joué avec une collaboration virtuelle avec son héros country. En utilisant la mélodie "Honky Tonk" de Haggard, Van Zant a écrit de nouvelles paroles autobiographiques sur l'air centré sur sa ville natale. Il a appelé la chanson "Jacksonville Kid".

Dans ce que l'on pense être la dernière voix de studio de Van Zant, il a chanté l'amour de sa ville, bien qu'il ne se sente pas à sa place parmi sa scène disco ou même carrément indésirable par certains habitants. "Seigneur, je suis sur leurs avis de recherche", a chanté Van Zant, désireux d'incarner l'image hors-la-loi de Haggard. "Je ne peux pas montrer mon visage en ville." La chanson a perdu face à l'interprétation de Lynyrd Skynyrd de l'original de Haggard pour le montage final de Street Survivors, et "Jacksonville Kid" n'est officiellement sorti qu'en 2000.

Quelques mois seulement après avoir enregistré la chanson en août 1977, Van Zant était l'une des six personnes tuées lorsque l'avion de tournée de Lynyrd Skynyrd a manqué de carburant entre les escales et s'est écrasé dans le Mississippi le 20 octobre, quelques jours seulement après la sortie du nouveau groupe. album. Van Zant avait 29 ans. Lors de ses funérailles en Floride, la famille de Van Zant a fait jouer "I Take a Lot of Pride in What I Am" de Merle Haggard pour la triste occasion. Le Jacksonville Kid était un fan de Haggard jusqu'à la fin.

"Given All I Can See"/"Here She Comes Again", Tom Petty (avec Chris Hillman)

Lorsque Tom Petty est décédé à l'âge de 66 ans le 2 octobre 2017, le dernier grand projet de studio sur lequel il avait travaillé n'était ni un nouveau disque de Heartbreakers ni une offre solo. C'était le dernier album de l'ancien membre des Byrds Chris Hillman. Bidin' My Time a été enregistré en 2017 et sorti peu de temps avant la mort de Petty suite à une toxicité mixte.

Hillman, qui faisait également partie des Flying Burrito Brothers, de Manassas et du Desert Rose Band, a remercié Petty (avec son ami de longue date Herb Pedersen) pour l'avoir convaincu de faire son premier album studio depuis 2005. Petty a accepté de produire Bidin' My Time dans son propre studio.

"Je ne pensais pas que je ferais un autre disque", a déclaré Hillman à Billboard avant la sortie de l'album. "Cela vient d'arriver grâce à Herb et Tom Petty. ... Après avoir eu une longue conversation avec Tom à l'automne, en novembre, j'ai dit:" Êtes-vous sûr de vouloir faire ça? il me veut pour?' … Il a dit, 'Génial, nous allons utiliser mon ancien studio et tout.' … Dans l'ensemble, c'était une joie. Je n'ai jamais eu autant de plaisir à enregistrer.

Non seulement Petty a produit les sessions, mais il n'a pas pu s'empêcher de participer un peu, jouant de l'harmonica sur "Given All I Can See" (que Hillman a appelé sa chanson préférée sur le disque) et contribuant à la guitare électrique sur "Here She Comes Again" (une chanson que Hillman avait écrite avec l'ancien coéquipier des Byrds Roger McGuinn mais jamais correctement enregistrée).

On pense que ces deux chansons sont les derniers enregistrements en studio de Petty. Bien que ni l'un ni l'autre n'ait été fait avec le groupe complet de Heartbreakers, Tom a demandé l'aide de son groupe pour le projet Hillman. Par exemple, Benmont Tench a joué de l'orgue sur "Here She Comes Again", Steve Ferrone a joué de la batterie sur les deux morceaux où Petty et le guitariste Mike Campbell sont apparus ailleurs. De plus, Hillman a repris "Wildflowers" de Petty sur l'album.

Cela semblait être un clin d'œil aux louanges et au soutien que Petty a donnés aux Byrds tout au long de sa carrière, de la production de disques d'anciens membres à la reprise de châtaignes Byrds telles que "I'll Feel a Whole Lot Better" et "So You Wanna Be a Rock 'n 'Roll Star" avec les Heartbreakers. Après la mort de Petty, Hillman a exprimé sa gratitude éternelle pour la musique, la collaboration et l'amitié de Petty. "J'aimais tellement Tom. Il était une telle bénédiction dans ma vie", a déclaré Hillman. "Tom a touché tout le monde avec sa belle musique."

"Little Martha," Duane Allman (avec le Allman Brothers Band)

Ce doux enchevêtrement de guitares acoustiques a été la première chanson que Duane Allman a écrite par lui-même pour le Allman Brothers Band. "Little Martha" était aussi le dernier morceau qu'il ait jamais enregistré en studio.

À l'automne 1971, les Allmans étaient occupés, après avoir enregistré quelques albums studio et s'être lentement fait un nom sur le circuit des tournées, le groupe avait finalement percé avec le légendaire album live At Fillmore East. Entre les dates d'un calendrier de tournée chargé, les Allman Brothers ont tenté d'enregistrer des trucs pour un album de suivi à chaque fois qu'ils avaient quelques jours de congé.

Une pause en octobre a donné à Duane, Gregg Allman, Dickey Betts, Berry Oakley, Jai Johanny Johanson et Butch Trucks l'occasion de se rendre aux Criteria Studios de Miami pour enregistrer avec le producteur Tom Dowd. Là, les Allmans ont fait leurs derniers enregistrements avec Duane (tous à figurer sur la troisième face de Eat a Peach de 1972): "Stand Back", "Blue Sky" et "Little Martha".

Duane a affirmé que la mélodie du dernier lui était venue dans un rêve. Peu de temps après la mort de Jimi Hendrix en 1970, le subconscient d'Allman a placé les deux grands de la guitare dans une salle de bain d'un Holiday Inn. Allman s'est souvenu que Hendrix l'avait conduit jusqu'à un évier qui avait des capacités musicales spéciales.

"Jimi s'est penché vers le robinet d'argent, l'a tourné doucement et a continué à taquiner et à tourner, et comme il l'a fait, un beau riff de guitare est sorti flottant", a déclaré Galadrielle Allman, discutant du rêve de son père dans Please Be With Me: A Song for Mon père, Duane Allman. "La mélodie que Jimi lui a donnée était la graine de 'Little Martha'."

L'air était un cadeau du monde des rêves de Hendrix, mais le titre (et, peut-être, l'ambiance) venait de quelque chose de plus tangible. Certains ont suggéré que "Little Martha" fait référence à Martha Ellis, une fille de 12 ans enterrée et immortalisée dans une statue au cimetière Rose Hill à Macon, Ga. D'autres sont convaincus que "Martha" était le surnom de Duane pour son amant Dixie Meadows , en raison de sa préférence pour les vêtements anciens et que la nature paisible de la chanson lui était dédiée.

Quelle que soit l'inspiration, "Little Martha" a été enregistrée par Allman, Betts et Oakley au début d'octobre 1971. En écoutant les résultats, le groupe a décidé que la basse d'Oakley était trop lourde pour la chanson et sa partie a été mixée à partir de la version sur Eat a Peach.

Quelques semaines après les sessions de Miami, le 29 octobre, Duane Allman est décédé des suites d'un accident de moto à Macon. Il avait 24 ans. Le guitariste a été enterré à Rose Hill, le même lieu de repos, peut-être de "Little Martha".

"Avalon", Roxy Musique

L'inspiration pour le dernier album studio de Roxy Music comprenait la légende du roi Arthur, des paysages en Irlande (où le leader Bryan Ferry a commencé à écrire du matériel pour le LP) et les habitudes de consommation de drogue des membres du groupe. Tous les trois se sont combinés pour l'esthétique mystique, mythique de l'album, ou "trucs espacés", comme le guitariste Phil Manzanera l'a décrit un jour.

Bien que Roxy Music ait coupé une version de "Avalon" pendant la majeure partie de l'enregistrement aux Compass Point Studios aux Bahamas, lorsque les sessions ont été transférées à la Power Station de Manhattan (pour la finition et le mixage), le coproducteur Rhett Davies et le groupe ont découvert que l'enregistrement n'était tout simplement pas à la hauteur du reste du matériel. En tant que chanson-titre du LP, il n'y avait qu'une seule chose à faire.

"Avec la chanson" Avalon ", nous avons dû recouper toute la chanson à la fin de l'album", a déclaré Davies à Sound on Sound en 2003. "Donc, pendant que nous mixions, nous avons recoupé la chanson entière avec un groove complètement différent. . Nous l'avons terminé le week-end dernier où nous mixions. "

Au milieu des fantasmes rêveurs et arthuriens du paradis de Ferry, un groove reggae subtil s'est manifesté - le résultat, Manzanera l'a un jour deviné, d'avoir enregistré dans les mêmes studios que Bob Marley au milieu des années 70. La chanson a développé une touche caribéenne supplémentaire avec l'ajout d'un choriste.

"Pendant la période calme du studio, ils laissaient les groupes locaux venir faire des démos", a déclaré Davies à propos de la Power Station. "Bryan et moi sommes sortis prendre un café, et nous avons entendu une fille chanter dans le studio d'à côté. C'était un groupe haïtien qui était venu faire des démos, et Bryan et moi nous sommes juste regardés et nous avons dit, 'Quoi une voix fantastique!' Il s'est avéré que c'était Yanick Etienne, qui a chanté tous les trucs aigus sur "Avalon". Elle ne parlait pas un mot d'anglais. Son petit ami, qui était le manager du groupe, est venu et a traduit. Et puis le lendemain, nous l'avons mixé.

Avec un nouveau groove et un nouveau chanteur ajoutés à la piste, Avalon et sa chanson titre étaient complètes. Sorti en mai 1982, le huitième album de platine de Roxy Music a valu au groupe un succès commercial et critique avant de se séparer en 1983. Certains des membres de Roxy se sont réunis au 21e siècle et auraient enregistré du nouveau matériel, mais il n'a pas encore été entendu par le public. , laissant "Avalon" comme leur dernier enregistrement officiel en studio.

"Midnight Rambler", Brian Jones (avec les Rolling Stones)

Les Rolling Stones n'auraient peut-être jamais existé sans Brian Jones. Mais au fur et à mesure que le groupe s'éloignait des reprises de blues et de R&B vers le matériel de l'équipe de compositeurs de Mick Jagger et Keith Richards, Jones a commencé à se sentir de moins en moins intégré.

Ce fut un départ long et lent de 1967 à 1969, marqué par la dépendance de Jones à la drogue, une sorte de triangle amoureux entre Jones, Keith Richards et Anita Pallenberg, et le désintérêt décroissant de Jones pour les Stones (et vice-versa). Bien que Jones ait apporté des contributions musicales importantes aux sorties du groupe au cours de ces années - jouant souvent une variété d'instruments - il était aussi parfois incapable de jouer et de plus en plus ne se présentait même pas aux sessions d'enregistrement.

Son temps avec les Stones s'est terminé par un gémissement. Les dernières contributions de Jones à une sortie en studio des Rolling Stones ont pris la forme d'une harpe automatique jouée sur "You Got the Silver" et de congas sur "Midnight Rambler". Les deux chansons sont apparues plus tard sur Let it Bleed, ce qui en fait le seul LP studio des Rolling Stones à présenter le travail de Jones et de son remplaçant, Mick Taylor.

"You Got the Silver" a été enregistré en février 1969 et "Midnight Rambler" a été réalisé dans la seconde moitié d'avril aux Olympic Sound Studios de Londres. Alors que l'autoharpe est audible sur le premier, la contribution conga de Jones sur le second ne l'est pas. Il a même été dit que Jones n'a jamais joué un tel rôle sur la piste de blues en plusieurs parties et que les Rolling Stones l'ont simplement crédité d'être gentil.

Mais "sympa" n'était pas vraiment la teneur de la relation entre Jones et le groupe à ce moment-là. Après tout, c'était l'homme qui avait bêtement laissé la Jaguar du groupe dans la rue pour être remorquée, était un absent fréquent pour les engagements des Rolling Stones et avait été arrêté deux fois pour trafic de drogue - étouffant probablement toute chance qu'il avait de obtenir un visa pour visiter les États-Unis, ce qu'ils prévoyaient de faire bientôt.

En juin 1969, les quatre autres Stones ont expulsé Jones du groupe (bien qu'il ait pu sauver la face en annonçant son propre départ) et l'ont remplacé par Taylor. Moins d'un mois après sa séparation avec les Rolling Stones, Jones a été retrouvé mort dans sa piscine à l'âge de 27 ans, avec des preuves d'abus de drogue et d'alcool – bien que la cause de son décès ait été notoirement déterminée par le coroner comme étant " mort par mésaventure."

Il reste une certaine controverse concernant les circonstances de la mort de Jones, tout comme personne n'est complètement certain qu'il ait enregistré une partie de conga pour "Midnight Rambler". Mais il reste, officiellement, sa dernière mésaventure en studio d'enregistrement.

"The Wanderlust", Lou Reed (avec Metric)

Comme une poignée d'autres légendes sur cette liste, le dernier enregistrement en studio connu de Lou Reed n'était pas pour l'un de ses propres projets, mais une faveur pour un ami. En 2010, Reed avait croisé la route d'Emily Haines des rockeurs indépendants canadiens Metric lors des Jeux olympiques d'hiver de Vancouver. Frappé par les étoiles, Haines a été surpris de constater que Reed était un admirateur de sa musique et les deux sont devenus amis.

Haines a joué avec Reed les années suivantes lors de quelques événements, ce qui a resserré leur lien. Ainsi, lorsque Metric enregistrait son album Synthetica de 2012 aux Electric Lady Studios à New York et a trébuché sur "The Wanderlust", Haines savait exactement qui pourrait améliorer le morceau.

"Quand je l'ai chanté, ou que les gars l'ont chanté, c'était comme" qu'est-ce que c'est … Glee? "", A déclaré Haines à Spinner. "Cela ne fonctionne pas, mais nous avions besoin de ce sentiment exprimé de continuer à continuer. J'ai appelé Lou et il a dit oui."

Reed a demandé qu'il chante toute la chanson avec Haines, avec leurs microphones face à face dans le studio. C'est comme ça qu'ils l'ont enregistré, bien que Metric ait fini par n'utiliser que la voix de Reed pour le refrain de la version de "The Wanderlust" qui est sortie sur Synthetica.

"Nous pensions que cela devait être un moment, ne pas se démarquer du record", a déclaré Haines. "À un moment donné, nous publierons peut-être cette version."

L'année suivante, le 27 octobre 2013, Reed est décédé d'une maladie du foie à l'âge de 71 ans, laissant derrière lui un riche héritage musical - et un dernier enregistrement sur un album de Metric.

"Ne te tiens pas si près de moi '86", la police

Après leur tournée à succès pour promouvoir Synchronicity, la police a fait une pause en 1984. Sting a commencé sa carrière solo, Stewart Copeland a travaillé dans le cinéma et Andy Summers a enregistré un disque avec Robert Fripp. Bien que le trio ait gardé le silence à l'époque, étant donné la relation agitée entre les membres, il était possible que la police soit terminée.

Malgré le succès solo de Sting (et un instinct qui lui disait qu'il était temps d'aller au-delà du groupe qui avait fait de lui un nom connu), il accepta de se regrouper avec Copeland et Summers pour quelques spectacles en juin 1986 pour soutenir Amnesty International. Les performances ont été de haut en bas, mais se sont suffisamment bien déroulées pour que la police se retrouve en studio en juillet.

Les sessions étaient censées permettre au trio de réenregistrer certains de leurs morceaux les plus connus pour un album des plus grands succès prévus, bien que la direction ait réservé du temps supplémentaire avec l'idée que les musiciens se gélifieraient à nouveau et produiraient de nouveaux trucs. Peut-être commenceraient-ils même le prochain album de Police. Mais tout espoir a été anéanti la veille du début du studio, lorsque le batteur Copeland s'est cassé la clavicule en jouant au polo.

"Le studio était réservé pour trois semaines", a déclaré Summers à Rolling Stone en 2007. "Si Stewart n'était pas tombé de son putain de cheval, nous nous serions coincés et cela aurait peut-être produit quelque chose de nouveau. Au lieu de cela, nous avions un Synclavier et un Fairlight et une grosse bagarre pour savoir ce qui était le mieux."

La police avait une histoire de combats en studio, et ces sessions n'ont fait que poursuivre la tendance. Parce que Copeland était incapable de jouer de la batterie, le trio s'est appuyé sur la batterie électronique pour une version retravaillée de leur succès de 1980, "Don't Stand So Close to Me". Copeland a préféré utiliser son clavier d'échantillonnage Fairlight CMI pour programmer la batterie, tandis que Sting a exigé que le groupe utilise le Synclavier parce qu'il aimait mieux ce clavier.

Le groupe a acquiescé aux souhaits de Sting, mais lorsqu'un ingénieur de studio a lutté pendant quelques jours pour terminer la piste de batterie sur le Synclavier, Copeland a reculé et l'a quand même terminée sur le Fairlight. Copeland a appelé plus tard le désaccord "la goutte qui a fait déborder le vase" en ce qui concerne toute unité de groupe. "J'ai joué ma partie de guitare le premier soir", a déclaré Summers. "Les 20 autres jours, c'était ces deux-là qui se disputaient à propos des deux machines."

Il n'y aurait pas de nouvel album de Police en 1986, ni jamais. En fait, le groupe a eu la chance de repartir avec de nouveaux enregistrements. Les deux seules chansons produites lors des sessions étaient des versions ralenties et extra-synthétiques de "Don't Stand So Close to Me" et "De Do Do Do, De Da Da Da". Le premier, rebaptisé maladroitement "Don't Stand So Close to Me '86", est sorti en single et en vidéo en octobre pour promouvoir la collection Every Breath You Take: The Singles. Ce dernier, que le groupe aimait apparemment encore moins, a ensuite été jeté sur la version SACD d'une compilation de tubes de 1995.

Bien que la police se soit réunie en 2007 pour une tournée, ils ont résisté à entrer à nouveau en studio, laissant ces enregistrements souvent décriés de 1986 comme leurs derniers.

"We are the Ones", Lemmy Kilmister (avec Chris Declercq)

Chris Declercq a pratiquement gagné la loterie des fans de rock. En 2005, il a déménagé de sa Suisse natale à Los Angeles et s'est rendu au célèbre Rainbow Bar and Grill de West Hollywood sur le Sunset Strip. Tant que le leader de Motörhead, Lemmy Kilmister, vivait en Californie, il était un habitué du Rainbow et Declercq a eu la chance de rencontrer l'un de ses héros au bar, d'engager la conversation et de lui faire sa démo.

Kilmister a dû aimer ce qu'il a entendu, car il a fini par collaborer avec le musicien suisse moins d'une décennie plus tard. Les deux ont co-écrit une chanson intitulée "We are the Ones", avec des paroles de Declercq et des voix de Kilmister, puis ont commencé à enregistrer la chanson en 2014 aux Paramount Studios. En mars 2015, moins d'un an avant sa mort, Kilmister a posé une partie de basse lors d'une session qui a produit son dernier enregistrement solo connu.

Au cours de ses dernières années, Kilmister a connu une multitude de problèmes de santé, bien que sa voix rauque et sa basse tonitruante soient positivement vitales sur "We are the Ones". Dans les mois qui ont suivi la session d'enregistrement, il a essayé de réduire sa consommation de tabac, a traité une infection pulmonaire et a eu 70 ans. Deux jours seulement après son anniversaire, Kilmister a reçu un diagnostic de cancer du cerveau en phase terminale. Deux jours plus tard, le 28 décembre 2015, il était mort d'autres problèmes, notamment une insuffisance cardiaque congestive et un cancer de la prostate.

Environ un an après le décès de Kilmister, Declercq a cherché à terminer "We are the Ones" avec le producteur Martin Guigui (qui jouait également des claviers sur la chanson) et le batteur Josh Freese au Studio 606 de Dave Grohl. La chanson est devenue un hommage à un groupe de hard-rock. légende.

"Je me suis concentré sur le déchiffrage du code de la vérité de la chanson, qui est la capacité artistique de Chris à créer des paroles et une mélodie pour le personnage rock and roll de Lemmy, puis la prestation vocale émouvante de Lemmy qui est au cœur de la chanson", a déclaré Guigui à Rolling Stone. . "En fin de compte, mon rôle était de rester fidèle à la vision de Chris et de compléter peut-être ce que Lemmy aurait également envisagé. C'est vraiment un hommage à Lemmy, avec sa participation, qui est folle."

Ajoutant la touche finale, Declercq a enregistré avec un as de pique attaché à la poupée de sa guitare Les Paul, cherchant à faire droit à l'homme qui l'avait aidé à faire une pause dans l'industrie de la musique. "Vous avez ouvert une porte que personne d'autre ne voulait m'ouvrir", a déclaré Declercq dans un hommage de 2017 à Kilmister. "Tu m'as permis de partager avec toi des moments précieux en tant que compositeur, musicien et ami. En m'aidant, tu as montré que tu étais l'homme le plus généreux, le plus humble et le plus honnête. J'honore ton don chaque jour et tu es à jamais dans mon cœur ."

"Gardez-moi dans votre cœur", Warren Zevon

Après avoir évité les médecins pendant des décennies, Warren Zevon a reçu un diagnostic de mésothéliome terminal à l'été 2002. Compte tenu des mois à vivre, Zevon a refusé les traitements qui pourraient le réconforter mais entraver ses capacités. Au lieu de cela, il est allé travailler.

"Je ne pense pas que quiconque sache quoi faire quand il reçoit le diagnostic. J'ai pris la guitare et je me suis retrouvé à écrire ce genre d'adieu", a déclaré Zevon à propos de "Keep Me in Your Heart" dans un documentaire VH1. "Instantanément, j'ai réalisé que j'avais trouvé quoi faire de moi-même. À la réflexion, c'était peut-être un peu une chanson" malheur à moi ", mais cela m'a fait réaliser ce que j'allais faire du reste du temps. "

Avec un lot de chansons déjà écrites (ou du moins commencées), Zevon a rapidement commencé à enregistrer ce qui serait son dernier album studio, The Wind, à l'automne 2002. Son partenaire créatif était à nouveau Jorge Calderón, l'un des collaborateurs les plus anciens de Zevon, mais il a également reçu de nombreuses aides de stars sur le disque. The Wind a présenté des contributions de copains musiciens Bruce Springsteen, Jackson Browne, Tom Petty et Eagles Don Henley, Joe Walsh et Timothy B. Schmit, entre autres.

Alors que les médecins ont averti Zevon qu'il pourrait mourir avant la fin de l'année, il a surpassé le pronostic et a travaillé sur l'album chaque fois que son corps le lui permettait. En avril 2003, lorsque Zevon n'était plus assez bien pour entrer en studio pour enregistrer, ses collaborateurs lui ont amené le studio. Le grand Jim Keltner et Calderón ont enregistré leurs parties douces de "Keep Me in Your Heart" en studio et Jorge a aidé à créer une station d'enregistrement impromptue dans le salon de Zevon, afin qu'il puisse déposer sa voix finale. Sous les yeux de sa fille enceinte Ariel, Zevon a chanté les paroles qu'il avait écrites après avoir réalisé que son temps sur terre ne serait pas long : "Si je te quitte, cela ne veut pas dire que je t'aime moins / Garde-moi dans ton cœur pour quelque temps."

Zevon a vécu pour voir The Wind terminé, puis sorti le 26 août 2003, avec "Keep Me in Your Heart" comme dernier morceau de l'album. Il est décédé deux semaines plus tard, le 7 septembre, plus d'un an après qu'on lui ait dit qu'il ne lui restait que quelques mois. Il avait 56 ans.

"Voulez-vous du rock?", Phil Lynott (avec Colbert Hamilton)

Après la dissolution de Thin Lizzy en 1984, Phil Lynott était en difficulté. Les dernières années de sa vie ont été difficiles, alors que Lynott s'est tourné vers la drogue et l'alcool pour apaiser ses calamités, tant personnelles que professionnelles.

Pourtant, Lynott a continué à travailler. Au cours de ses dernières semaines de vie, Lynott a produit une session pour Colbert Hamilton, un chanteur britannique spécialisé dans les débuts du rock 'n' roll et se faisant appeler "Black Elvis". Hamilton a enregistré une rave-up intitulée "Do You Want to Rock?" en décembre 1985 au home studio de Lynott à Richmond, en Angleterre, avec Lynott jouant de la basse sur la piste et chantant des voix de fond.

"Il était sur le ballon en termes de jeu, mais il avançait à son rythme", a déclaré Hamilton à la BBC en 2009. "J'étais au courant par mon manager de l'époque qu'il prenait de la drogue et, avec le recul, il était en mauvaise santé. » L'enregistrement, qui serait le dernier tour de Lynott en studio, a été pratiquement oublié à la suite du décès de l'ancien leader de Thin Lizzy le 4 janvier 1986, à la suite d'un effondrement à Noël et d'un long séjour à l'hôpital. Après des années de toxicomanie, Lynott est décédé d'une pneumonie et d'une insuffisance cardiaque. Il avait 36 ​​ans.

"Voulez-vous rocker?" a ramassé la poussière sous le lit d'Hamilton pendant le quart de siècle suivant, la piste n'ayant jamais reçu de vernis final. Il a été découvert en 2009 lorsque son collègue musicien Paul Murphy travaillait sur un documentaire retraçant la vie de Lynott en Angleterre et en Irlande. Hamilton a autorisé sa sortie dans le cadre du projet de Murphy. "L'audio est un peu rude car c'était vraiment un travail en cours", a déclaré Murphy à l'époque, "mais le son incomparable de Lynott peut être entendu partout."

"Vous n'avez jamais su ce que je pensais", Chris Cornell

Le dernier enregistrement connu du chanteur de Soundgarden était une collaboration d'outre-tombe – à plus d'un titre. Peu de temps avant que Chris Cornell ne se suicide le 18 mai 2017 dans une chambre d'hôtel de Detroit, le chanteur a enregistré "You Never Knew My Mind", basé sur une paire de poèmes que feu Johnny Cash avait écrits 50 ans plus tôt.

John Carter Cash, le fils de Johnny, a fait appel à Cornell pour contribuer à un projet qui est devenu Johnny Cash: Forever Words, un album mettant en vedette une variété d'artistes mettant de la nouvelle musique sur des poèmes, des paroles et des lettres que l'aîné Cash a écrites avant sa mort en 2003. Cash a couvert de façon mémorable "Rusty Cage" de Soundgarden pour son album Unchained de 1996, et quelques décennies plus tard, Cornell était en quelque sorte en train de lui rendre la pareille.

"J'ai rencontré [Cash] une ou deux fois dans ma vie, et il était si aimable et il a eu une telle influence sur moi en tant que musicien", a déclaré Cornell au moment où il a enregistré "You Never Knew My Mind". "Et il a également repris une chanson que j'ai écrite. Depuis ce temps, j'ai l'impression qu'il est peut-être l'une des plus grandes présences de ma vie, en termes d'artistes dont je suis fan."

Cornell a enregistré sa contribution au Cash Cabin Studio à Hendersonville, Tennessee, et - peu de temps avant son propre décès - a parlé de la nature "Twilight Zone" de cette collaboration qui se déroule dans la cabine que Johnny avait construite. Lors de la préparation de la sortie de Forever Words en 2018, près d'un an après la mort de Cornell, John Carter Cash a révélé que Cornell avait combiné deux des poèmes de son père pour la chanson.

"Il y avait en fait deux morceaux - il y avait 'You Never Knew My Mind' et 'I Never Knew Your Mind' - ils étaient essentiellement les mêmes paroles qui ont été écrites de deux points de vue différents", a déclaré Carter Cash à DJ Zane Lowe. Johnny "a écrit" You Never Knew My Mind "en 1967. Je suppose et je suis assez certain qu'il a été écrit pour sa première femme, Vivian. C'était l'année où leur divorce était légal. C'était aussi l'année où son amour pour ma mère s'est épanouie. … Et Chris a pris les deux morceaux et les a assemblés dans celui-ci … Je ne peux pas l'écouter sans qu'il m'allonge. Je le pense toujours, et il l'a fait avant le décès de Chris.

En plus d'être un post-mortem sur le premier mariage de Cash, "You Never Knew My Mind" résonne également en ce qui concerne le suicide de Cornell à 52 ans, qui a surpris même les plus proches du chanteur. Sur le dernier couplet de la chanson, Cornell chante: "Parfois, je suis un étranger pour toi / Parfois tu es un étranger pour moi / Parfois, peut-être tout le temps / Tu n'as jamais vraiment connu mon esprit / Je n'ai jamais vraiment connu ton esprit."

"Lettre de mort", Johnny Winter

Non seulement les fans peuvent entendre le dernier enregistrement en studio de Johnny Winter, mais ils peuvent aussi le voir se produire. Son interprétation acoustique de la célèbre "Death Letter" de Son House a été filmée et publiée plus tard sous forme de vidéo.

Il est peu probable que quiconque sache que l'enregistrement serait le dernier de Winter, d'autant plus qu'il a été réalisé le 4 février 2013, plus d'un an avant sa mort à 70 ans le 16 juillet 2014, lors d'une tournée en Europe. Et il se trouve que le dernier tour de Winter en studio serait une chanson tournant autour de la mort – bien que les paroles ne parlent pas du décès du chanteur, mais de son amant.

"En le regardant faire cette performance du classique de Son House" Death Letter ", vous pouvez entendre à quel point c'était naturel et confortable pour lui", a déclaré Warren Haynes à Rolling Stone. "Il avait écouté et couvert Son House toute sa vie, ce qui se présente ici mais ressemble en quelque sorte à Johnny Winter."

"Death Letter" est sorti à titre posthume sur le dernier album studio de Winter, Step Back, en septembre 2014. C'est l'un des deux seuls morceaux qui ne comportent aucun invité spécial : Eric Clapton, Leslie West, Billy Gibbons et Joe Perry apparaissent ailleurs. Mais pour son dernier enregistrement, Winter a dû sortir seul. Dans la vidéo de la session solo, ses derniers mots sont : "Je suis prêt à rentrer chez moi."

"One Too Many Mornings", le groupe

Considérant que l'histoire du groupe est indissociable de la carrière de Bob Dylan, il est normal que le groupe ait repris une chanson de Dylan sur son dernier enregistrement. "One Too Many Mornings" a été enregistré en 1999, la même année que Rick Danko est décédé à l'âge de 56 ans. Le groupe s'est séparé, définitivement, peu de temps après.

Bien sûr, certains pensaient que le groupe était fini après leur concert de Thanksgiving à San Francisco en 1976, le spectacle filmé pour The Last Waltz de Martin Scorsese. Mais cette performance, aussi merveilleuse soit-elle, n'a fait que signaler la dernière danse de Robbie Robertson avec le groupe; les quatre autres membres (Danko, Levon Helm, Richard Manuel et Garth Hudson) se sont remis ensemble en 1983.

Les retrouvailles se sont poursuivies malgré le suicide de Manuel en 1986 (il avait 42 ans), les trois cinquièmes du groupe original continuant d'enregistrer et de tourner avec les nouveaux membres Jim Weider, Randy Ciarlante et Richard Bell. Le groupe a sorti trois albums studio dans les années 90, dont deux comportaient une chanson de Dylan.

Ainsi, lorsque la House of Blues organisait un autre de ses disques hommage aux artistes classiques (deux compilations, reprenant des chansons des Rolling Stones et de Janis Joplin, étaient déjà complètes), il était naturel que la société tape le Band pour un Dylan -album ciblé. "One Too Many Mornings" était un choix intéressant pour une reprise, non seulement parce que le groupe (à l'époque où ils s'appelaient les Hawks) a soutenu la révision électrique de Bob de sa chanson à chaque date de sa tournée de 1966, mais aussi parce qu'un enregistrement de leur La version anthémique avait été publiée en 1998 dans le cadre de la "Bootleg Series" de Dylan.

Pourtant, il y a un million de kilomètres entre la version live de 66 (qui ne présente pas Helm, car il avait cédé son tabouret de batterie à Mickey Jones) et l'enregistrement de 99, mettant en lumière Danko et sa voix principale au miel aigre, Helm à la batterie et l'harmonica et le carnaval d'Hudson d'un orgue Hammond. De plus, Derek Trucks a joué de la guitare slide sur la piste.

Lorsque Tangled Up in Blues (comme s'intitulait l'album hommage) est arrivé en juillet 1999, la version vivante et forte du groupe sur "One Too Many Mornings" a clôturé la compilation. À la fin de l'année, Danko était parti et le groupe n'était plus, pour sûr cette fois.

"Ride On", Bon Scott (avec confiance)

Bon Scott a participé à une première session pour Back in Black, l'album d'AC/DC qui a fini par être dédié à sa mémoire. Mais il a simplement rejoint ses camarades de groupe Angus et Malcolm Young alors qu'ils découvraient "Have a Drink on Me" et "Let Me Put My Love Into You", accompagnant les frères à la batterie plutôt que de chanter.

À peu près à la même époque, à la mi-février 1980, Scott chante sur son dernier enregistrement en studio avec un autre groupe, le groupe français Trust. Il s'était rendu au Scorpio Sound Studio de Londres avec son compatriote rockeur australien Mick Cocks pour faire la fête avec le groupe de métal français.

"Nous nous sommes rencontrés un an plus tôt dans les studios Pathé de Boulogne par l'intermédiaire d'un ami de Keith Richards", racontait le chanteur de Trust Bernie Bonvoisin à Paris Match en 2015. "Un coup de foudre amical et musical : il m'a proposé de faire la première partie d'AC/ DC dans une série de concerts mémorables en France."

Trust enregistrait son deuxième album studio Repression à l'époque, mais était heureux d'accueillir Scott, qui surfait sur le succès de Highway to Hell en 1979. Bonvoisin a rappelé Scott en train d'avaler une bouteille de whisky tout en "aidant" avec les notes de doublure en anglais pour la prochaine sortie du Trust. Bientôt, les garçons ont commencé un jam impromptu de "Ride On", un morceau d'AC / DC que Trust avait inclus sur leur premier album. Scott s'est joint pour aider à chanter la chanson lente et bluesy, qui comprenait la phrase "Je ne suis pas trop vieux pour mourir".

Dans les six jours, entre la nuit du 18 février et le matin du 19 février, Scott s'est évanoui et est décédé à l'âge de 33 ans. Ceci, comme la mort de Brian Jones, a été jugé "mort par mésaventure". Les camarades du groupe de Scott dans AC/DC et ses copains dans Trust ont été choqués par la nouvelle. La version studio jam de "Ride On", en raison de son statut de dernier enregistrement de Bon, a ensuite fait surface sur des bootlegs.

"Salon et Saloon", Jim Croce

Le dernier enregistrement de Jim Croce a été fait en cadeau à son ami, partenaire créatif et guitariste principal Maury Muehleisen. En tant que tel, c'était une chanson que Muehleisen, et non Croce, avait écrite.

Avant que Croce ne devienne célèbre au début des années 70, ses rôles et ceux de Muehleisen étaient inversés. Maury était celui qui avait le contrat d'enregistrement et Jim l'aidait à la guitare rythmique. Mais une fois que les deux ont commencé à travailler sur les chansons de Croce, avec Muehleisen l'aidant sur les arrangements de guitare, Maury est essentiellement devenu le guitariste principal de Croce. Croce était reconnaissant de la générosité de son ami et a montré sa gratitude en enregistrant l'une des chansons de Muehleisen, "Salon and Saloon", pour son troisième LP.

Muehleisen a été inspiré pour écrire "Salon and Saloon" à l'époque où lui et Croce ont commencé à jouer ensemble en 1970. La chanson est basée sur la vérité, un après-midi de deux vieux copains de lycée rattrapant où leur vie les avait menés depuis l'obtention du diplôme. . Muehleisen a fréquenté le lycée de la cathédrale St. Mary à Trenton, NJ, et était ami avec Mary Mitchell. Tous deux ont acquis la réputation d'être dévoués à leurs passions; la sienne était la musique, la sienne était le ballet. Ils se sont vus par hasard à la gare de Trenton et ont passé le reste de la journée.

"Nous avons parlé de la façon dont nos camarades de classe avaient changé et spéculé sur la façon dont ils devaient penser que nous avions changé", se souvient plus tard Mitchell. "J'allais à l'école à New York et travaillais comme mannequin pour gagner de l'argent de poche. Maury ressemblait beaucoup à l'artiste créatif aux cheveux longs qu'il était. Il ne m'est jamais venu à l'esprit que nous devions avoir l'air assez étranges ensemble ce jour-là. ."

Muehleisen a canalisé son bon sentiment dans une chanson, la nommant "Salon and Saloon", parce que le mannequin Mary avait l'air d'être sortie de la première, alors qu'il avait l'air d'être sorti de la seconde. Maury avait peut-être prévu d'enregistrer la chanson lui-même - il espérait recommencer à faire ses propres disques après la tournée de Croce à l'automne 1973 - mais il a été ravi lorsque Croce a décidé de reprendre la chanson.

"Jim a vraiment adoré la chanson et voulait l'enregistrer en cadeau à Maury", a déclaré la sœur de Maury, Mary, à Guitar World en 2013. "Jim a chanté et Tommy West a joué du piano. Il n'y a pas de guitares sur l'enregistrement. C'était la dernière chanson Jim n'a jamais enregistré."

La version de Croce de "Salon and Saloon" complète un album qui sortira sous le nom de I Got a Name. Les sessions, qui ont eu lieu à la Hit Factory de New York, se sont terminées le 14 septembre 1973. Dans moins d'une semaine, le 20 septembre, Croce et Muehleisen seraient partis.

Lors d'une tournée en Louisiane, les deux musiciens - avec le comédien George Stevens, le manager et agent de réservation Kenneth D. Cortese, le directeur routier Dennis Rast et le pilote Robert N. Elliott - sont morts quand Elliott a coupé un pacanier au décollage de l'aéroport régional de Natchitoches et écrasé l'avion bimoteur. Croce avait 30 ans. Muehleisen en avait 24. Leurs amis et leur famille étaient stupéfaits.

I Got a Name, avec "Salon and Saloon" comme deuxième chanson de la face deux, est sorti quelques mois plus tard, le 1er décembre. Le LP de 1973 s'est avéré être un autre grand succès, laissant les fans se demander ce que Croce et Muehleisen pourraient avoir auraient pu réaliser s'ils n'avaient pas pris cet avion.

« Électre », Dio

Bien que le groupe dérivé de Black Sabbath, Heaven & Hell, ait dominé la carrière musicale de Ronnie James Dio au cours de ses dernières années, à la fois en termes de tournées et d'enregistrements, il planifiait le prochain projet de son groupe éponyme avant de tomber gravement malade à l'automne 2009.

En 2000, le groupe Dio a sorti Magica, un album conceptuel sur une bataille entre les forces du bien et du mal dans un enfer appelé Blessing. Le plan depuis le début était que Magica serait la première partie d'une trilogie d'albums que le groupe finirait par enregistrer. Les engagements de Ronnie's Heaven & Hell de 2007 à 2009 ont retardé l'écriture de chansons pour les deux tranches suivantes, bien qu'il ait révélé qu'il avait "sept ou huit" morceaux commencés dans une interview d'octobre 2009.

À cette époque, Ronnie a même commencé à dépasser l'étape de la démo, demandant l'aide du guitariste Doug Aldrich sur un morceau qui n'a jamais été publié. "Nous étions en quelque sorte en train de rebondir sur certaines de ses idées et de travailler sur certaines d'entre elles", a déclaré Aldrich à Roppongi Rocks en 2017.

"Avant qu'on fasse 'Electra', il avait cet autre qu'il a dit, 'Pouvez-vous mettre un solo là-dessus?' et il m'a donné la piste", a ajouté Aldrich. "J'avais mis un solo dessus et puis, quand je l'ai apporté chez lui, il a dit:" Non, non, non. J'ai cette nouvelle idée appelée "Electra". Nous ne l'avons même pas écouté. Je ne pense même pas qu'il ait jamais entendu le solo parce que nous étions tellement concentrés à essayer de faire une chanson pour promouvoir la tournée que nous allions faire."

Après des années de peu d'activité pour Dio, le plan de Ronnie était de faire revivre le groupe avec une tournée, de sortir un single des prochains Magica II et III en tant que teaser, puis d'enregistrer ces albums en 2010. "Electra" est devenu ce single teaser, mettant en vedette Ronnie au chant, Aldrich à la guitare, Rudy Sarzo à la basse, Simon Wright à la batterie et Scott Warren aux claviers. La piste fantastique comprend les paroles, "Et c'est la dernière chose que tu feras", qui s'est avérée tragiquement prophétique.

Peu de temps après avoir terminé l'enregistrement de "Electra", Dio a reçu un diagnostic de cancer de l'estomac en novembre 2009. Toutes les tournées et tous les enregistrements ont été annulés pendant que Dio cherchait un traitement pour la maladie. En février 2010, "Electra" a reçu une sortie spéciale dans le cadre du coffret Tournado qui aurait été disponible pour les fans de la tournée de Dio, avant qu'elle ne soit annulée.

Malheureusement, le cancer de l'estomac de Ronnie s'est métastasé et il est décédé des suites de la maladie le 16 mai 2010. L'homme qui a rendu célèbre les "cornes de métal" était parti à l'âge de 67 ans. "Electra" est la dernière chanson que Dio a enregistrée - et publiée, à du moins jusqu'à présent - et est la seule chanson des suites de Magica qui a été officiellement publiée. Après la mort de Ronnie, il est apparu sur une compilation, ainsi qu'un morceau bonus sur la réédition de luxe de l'album original de Magica.

"Plus fort que les mots", Pink Floyd

La dernière chanson enregistrée de Pink Floyd est le résultat d'un processus créatif qui a duré plus de 20 ans. C'est parce que la mélodie, comme une grande partie du matériel instrumental du dernier album de Floyd, The Endless River, a été enracinée dans les sessions de 1993 pour The Division Bell. Bien que Rick Wright soit décédé dans les années suivantes, ses camarades de groupe David Gilmour et Nick Mason ont pu peaufiner, fusionner et améliorer les idées, les mélodies et les sons de l'époque - aidés par les coproducteurs Phil Manzanera, Andy Jackson et Martin "Youth". Gantier.

Contrairement au reste de la grande majorité de The Endless River de 2014, "Louder Than Words" est moins un composant d'une pièce pseudo-ambiante et plus une chanson appropriée, avec les seules paroles de l'album - chantées par Gilmour et écrites par son épouse Polly Samson. Ayant déjà travaillé sur des idées lyriques pour The Division Bell, Samson a porté une idée à l'attention de son mari au cours de ce projet. Il avait été inspiré en regardant la célèbre réunion de Pink Floyd au Live 8 de 2005.

"Au Live 8, ils avaient répété, il y avait des vérifications du son, beaucoup de temps morts assis dans des pièces avec David, Rick, Nick et, à cette occasion, Roger [Waters]", a-t-elle rappelé à Entertainment Weekly. "Et ce qui m'a frappé, c'est qu'ils n'ont jamais parlé. Ils ne parlent pas, ils ne parlent pas beaucoup. Ce n'est pas hostile, ils ne parlent tout simplement pas. Et puis ils montent sur scène et musicalement, cette communication est extraordinaire."

Elle a écrit une pièce qui se concentrait sur la connexion musicale des membres du groupe, malgré les luttes plus qu'occasionnelles de Pink Floyd avec l'harmonie du groupe en dehors de la scène. Lorsque Samson a présenté les paroles à Gilmour, il a pensé que c'était une excellente pierre angulaire de la carrière du groupe et qu'il correspondait à la musique sur laquelle il avait déjà travaillé. Le morceau terminé avait un pied en 1993, en mettant en vedette le jeu au clavier de Wright, et un en 2014, avec la voix nouvellement enregistrée de Gilmour dans son home studio. Glover a déclaré que le chanteur-guitariste de Pink Floyd avait attendu la fin des nouvelles sessions pour déposer sa voix.

« Phil et moi-même avions poussé David à obtenir les paroles et à obtenir la voix », a déclaré Glover à Uncut. "Tout le monde autour de lui disait à quel point il déteste faire du chant, et il les laisse toujours à la dernière minute. ... Il fait cette chose incroyable quand il compose et obtient une mélodie. Il fait ce skat vocal. C'est absolument parfait. Apparemment c'est comme ça qu'il a fait "Comfortably Numb". Je n'ai jamais entendu un chanteur skater une voix principale aussi précise, avec la bonne émotion et tout."

Une fois que Samson a eu les paroles, la chanson entière s'est réunie comme une méditation sur la façon dont ce qui liait les gars de Pink Floyd était plus fort que ce qui les gênait. Bien que Gilmour, Mason et Waters (qui ont quitté le groupe dans les années 80) soient toujours vivants et actifs dans l'industrie de la musique, ils ont peu d'espoir qu'il y ait plus de musique Pink Floyd à l'avenir.

"Tout ce qui a de la valeur se trouve sur The Endless River", a déclaré Gilmour à Rolling Stone. "Essayer de le refaire signifierait utiliser des trucs de deuxième choix. Ce n'est pas assez bon pour moi."